Various Artists
Can´t beat California
16 Okt — 13 Nov 2021
GOLESTANI ist erfreut, eine neue Ausstellung ankündigen zu dürfen, die sich der Outsider Art in Kalifornien widmet. Mit 24 Positionen zeigt diese Ausstellung ein breites Spektrum künstlerischer Ausdrucksmöglichkeiten auf dem Werkstoff Papier. Gezeigt werden Werke von Andrea Leber, Barry Regan, Bruce Howell, Chris Corr-Barberis, D´Lisa Fort, Dan Miller, David Albertsen, Donald Mitchell, Edwin Zalenski, Gail Lewis, George Wilson, James Davis, Jane Kassner, John Martin, John Mullins, Jordan King, Latefa Noorzai, Lauren Dare, Maureen Clay, Paul Fields, Ricardo Gaitan, Ron Veasey, Sher-Ron Freeman und William Tyler. Zur Ausstellungseröffnung wird herzlich eingeladen.
Bezeichnend für die Outsider Art ist eine unmittelbare Ausdrucksweise, unberührt von akademischen Regeln und aktuellen Trends. Wenngleich sich die Wurzeln der Outsider Art in der kunsthistorischen Verortung weit zurückverfolgen ließen, tragen zwei prominente Impulse aus der Nachkriegszeit ganz wesentlich zum modernen Werkverständnis bei und sind daher in besonderer Weise hervorzuheben. Hier ist zum einen das Manifest des französischen Künstlers und Kurators Jean Dubuffet aus dem Jahre 1947 zu nennen, in dem Art Brut begrifflich bezeichnend wird für das Kunstwerk, welches von Menschen geschaffen ist, die, so Dubuffet „von der künstlerischen Natur nicht betroffen sind“ und bei denen „Mimikry keine oder eine nur geringe Rolle spielt.“ — im Gegensatz etwa zur Tätigkeit des Intellektuellen. Diese Künstler, so heißt es schließlich bei Dubuffet, „beziehen alles aus ihrer eigenen Tiefe und nicht aus den Konventionen der klassischen und modernen Kunst.“ Zwei Jahrzehnte später dann knüpft der britische Kunsthistoriker Roger Cardinal in einer Publikation, die sich mit Art Brut auseinandersetzt, an diese Auffassung ergänzend an und führt die Kunstrichtung zurück auf jene Menschen, die, so Cardinal „einen expressiven Impuls besitzen, der in einer unkontrollierte Weise sich konventioneller kunsthistorischer Kontextualisierung widersetzt."
Sowohl Dubuffet als auch Cardinal schrieben in erster Linie über extrem marginalisierte europäische Künstler:innen: Psychotiker, Medien und Exzentriker. Diese Darlegung führte zu dem weit verbreiteten Missverständnis, dass Outsider Art im Wesentlichen pathologisch zu ergründen sei, obwohl das zentrale Merkmal jener Outsidern einfach ihre mangelnde Konditionierung durch Kunstgeschichte, Akademie oder Trends der Kunstwelt ist.
Im Laufe der Jahre erweiterten sich die Parameter der Outsider Art dann dramatisch und umfassten nun Kunst von einer Vielzahl von Künstler:innen, die den gemeinsamen Nenner unmittelbarer Kreativität teilen. Außenseiter kommen heute aus allen Gesellschaftsschichten, aus allen Kulturen, aus allen Altersgruppen. In den letzten Jahren sind Outsider Artists möglicherweise sogar den Insider-Künstlern überlegen — Insider-Künstler, die in der elitären Kunstwelt zwar eine öffentliche Reputation und kritische Bestätigung erlangt haben, und dennoch mit immer weniger inhaltlicher Klarheit und Relevanz für uns über menschliche Erfahrung sprechen. Gewiss ist Dubuffets Kritik an einem gefälligen Kunst-Establishment, welches er als „falsche Monsieur-Kunst" abwies, nie aktueller.
Die Einnahmen der Ausstellung werden an Creative Growth in Oakland, Kalifornien gespendet. Seit 1974 engagiert sich das Creative Growth Arts Center als private Einrichtung in besonderer Weise um Menschen mit geistiger Beeinträchtigung und ihre künstlerische Ausbildung. Ausstellungsbegleitend ist ein Viewing Room zugänglich.
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Andrea Leber
Andrea Leber (g. 1966 in Alameda, Kalifornien) schöpft in Ihren Arbeiten aus Film und Fernsehen und verbindet oft fiktive Situationen mit ihren eigenen persönlichen Erinnerungen. Leber verweist häufig auf gesunde Popkultur-Ikonen wie Full House und The Brady Bunch und füllt die Seite mit Gruppen von Menschen, die auf ihren Lieblingsfiguren aus dem Fernsehen basieren. Ihre Liebe zum Detail ist erschöpfend und zeichnet oft auf beiden Seiten des Papiers, um das volle physische Erscheinungsbild ihrer Figuren von vorne, hinten und von den Seiten zu erkennen. Lebers Zeichnungen wirken wie ein Bewusstseinsstrom – Gesprächsschnipsel, Kalenderdaten, mathematische Gleichungen, Tiere, Flüche und Namen – alles verschmelzen zu einem geordneten Chaos, das von ihrer Feder bestimmt wird.
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Barry Regan
Barry Regan (g. 1956 in Walnut Creek, Kalifornien) praktiziert seit 2002 im Studio von Creative Growth und arbeitet hauptsächlich an Papier- und Assemblage-Holzskulpturen. Regans dicht besiedelte Farbfelder sind eine endlose Auseinandersetzung mit den grundlegenden Qualitäten von Kreisen und negativen Räumen und erinnern an Yayoi Kusamas Infinity Net-Serie. Wiederholte Kreise fließen in und umeinander, schwellen an und schrumpfen zu immersiven Wellen aus Bewegung und Farbe. Mal geordnet, mal kakophon, sind seine Kompositionen lebendig, rhythmisch, organisch und topografisch. Regan demonstriert mit seiner Spezifität von Strichstärke, Farbe und Maßstab eine Beherrschung des Zeichnens.
Regan steht beim Malen am liebsten, nicht nur aus der Vogelperspektive, sondern hält den Pinsel am Ende. Regan ist beim Schaffen seiner Kompositionen meditativ; Seine abgerundeten Formen werden nicht mit einer schnellen Bewegung des Handgelenks wiedergegeben, sondern mit langsamen und kalkulierten Bewegungen um jede Form. Als begeisterter Gärtner kann Regans farbenfrohe Ästhetik in seinen Erfahrungen mit Landschaftsgestaltung, Blumenfeldern und natürlichen Mustern verwurzelt sein. Regan strebt nicht danach, diese Umgebungen direkt darzustellen, sondern sie sind potenzielle Inspiration für seine Bilder. Regans rhythmische Praxis ist auch tief mit der Musik verbunden, da er bei der Arbeit oft einen Walkman trägt.
Regans Arbeiten wurden ausgestellt bei Nina Johnson Gallery, Miami; Target, New York; Marin Community Foundation, Petaluma; Gyeonggi Museum of Modern Art, Korea; Outsider Art Fair, New York und Paris; D´Dessin, Paris, NADA Miami
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Bruce Howell
Bruce Howell (g. 1954 in Oakland, Kalifornien) hat eine eigene und ausdrucksstarke Bildsprache entwickelt, die er in Multiples einsetzt: seine Motive wiederholen sich oft über die Seite und sättigen den Negativraum mit Farbe. Seine Umgangssprache ist durchweg idyllisch und spiegelt seine Interessen wider: Menschen mit verschiedenen Aktivitäten, Obst, Tiere und Häuser. Diese Bilder in mehreren bilden eine rhythmische und farbenfrohe Harmonie in seiner charakteristischen abgeflachten Perspektive. Seine Linienführung erinnert an die visuelle Wirkung eines Puzzles oder einer Tessellation. Howell arbeitet am produktivsten auf Papier mit vielen Medien, darunter Aquarell, Tinte und Acryl, und ist auch ein erfahrener Keramiker.
Howells Arbeiten waren an der Nebraska Wesleyan University in Lincoln zu sehen sowie im Rahmen der Outsider Art Fair in New York und wurden in der Telegraph Hill Gallery in San Francisco gezeigt.
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Chris Corr-Barberis
Chris Corr-Barberis (g. 1986 in Takoma Park, Maryland) erstellt Listen mit freien assoziativen Texten auf alten Einkaufsbelegen und gefundenen Zetteln, die er zu Stapeln zusammenstellt. Er umgibt sich mit diesen Stapeln, um seine Gedanken zu ordnen und zu referenzieren, während er sie auf Papier übersetzt. Corr-Barberis’ Kompositionen lesen sich wie eine Zeitung, mit langen Textabschnitten, die auf seinen Notizen basieren, großen Schlagzeilen und vereinzelten Tuschezeichnungen, die rhythmische Muster auf der Seite erzeugen. Corr-Barberis arbeitet langsam und methodisch, entwirft das Layout eines neuen Stücks und nimmt sich Zeit, seine Gedanken zu formulieren und zu dokumentieren. Seine Texte basieren in der Regel lose auf Themen der persönlichen Reflexion, sozialen Kommentaren, Gesprächen, die er belauscht, Aufgabenlisten und der Betrachtung des „Realen und des Unwirklichen“. Gelegentlich lässt er Text ganz weg und hinterlässt seine diagrammartigen Zeichnungen in einem Feld gezielter negativer Räume.
Corr-Barberis wurde gezeigt in Art Brut Global und Oustider Art Fair, Paris und New York;
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D´Lisa Fort
Von mythologischen Erzählungen verzehrt, ist D’Lisa Forts (g. 1968 in San Bernardino, Kalifornien) Werk reich an mystischer Symbolik und ausgeklügelten Handlungssträngen. Ihre Neuinterpretationen griechischer Mythen, Tarotkarten und persönlicher Allegorien zeigen ihr Händchen für komplexe visuelle Erzählungen.
Fort wurde im Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum in Washington, D.C. ausgestellt.
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Dan Miller
Dan Millers (g. 1961 in Castro Valley, Kalifornien) Kunstwerk besteht aus obsessiven Überlagerungen von Wörtern und Bildern, die oft bis zur Abstraktion führen. Jede Arbeit enthält eine schriftliche Aufzeichnung von Millers Interessen an Baumärkten, Glühbirnen, Steckdosen und vertrauten Personen, jedoch werden im Endstadium nur wenige Wörter identifiziert. Weitgehend nonverbal, wurde Miller schon in jungen Jahren beigebracht, Wörter und Zahlen zu schreiben, um zu kommunizieren. Dies wurde der Haupteinfluss auf seine künstlerische Praxis, indem er Text in grafische Elemente umwandelte und eine abstrahierte Bildsprache als Werkzeug der Recherche und des Ausdrucks einsetzte.
Miller hatte Einzelausstellungen in White Columns, Andrew Edlin Gallery und Ricco Maresca Gallery in New York und Diane Rosenstein Gallery in Los Angeles. Seine Arbeiten wurden 2017 auf der Biennale von Venedig und in Ausstellungen im Berkeley Art Museum gezeigt; The Museum of Everything, London; Gavin Brown´s enterprise, Rachel Uffner Gallery and Partners & Spade, New York; Galerie Paule Anglim, Jules Maeght und 836M in San Francisco; Nina Johnson Gallery, Miami; John Michael Kohler Arts Center, Sheboygan; Galerie Christian Berst und ABCD, Paris. Millers Werke befinden sich in den ständigen Sammlungen des Smithsonian American Art Museum, des Museum of Modern Art, New York, des Centre Pompidou, des Folk Art Museum, des Berkeley Art Museum, des Mad Musée und der Collection de l'Art Brut , Lausanne. Millers Arbeiten sind auch in den Privatsammlungen von David Byrne, Cindy Sherman, Maurizio Cattelan, Martin und Rebecca Eisenberg, Thea Westreich und Ethan Wagner, Nicolas Rohatyn und Jeanne Greenberg Rohatyn, Andy und Kate Spade u.a. vertreten.
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David Albertsen
David Albertsens (g. 1981 in Castro Valley, Kalifornien) Buntstiftarbeiten auf Papier tauchen den Betrachter in ein kosmisches Feld aus psychedelischen Farben und filigranen Geometrien ein. Tiere, Pflanzen und organische Formen wachsen zu stimmungsvollen Formen und Mustern in lebendigen Farben. Albertsens Abstraktionen strahlen aus, während natürliche Geometrien und vegetabile, totemhafte Formen in einer festen Umlaufbahn balancieren.
Albertsen war zu sehen in Crosstown Arts, Memphis; Outsider Art Fair, New York; NADA Miami; Rachel Uffner Gallery, New York; Gyeonggi Museum of Modern Art, Korea, Gallery Paule Anglim, San Francisco; (e)merge Art Fair, New York; Oakland Museum of California, Oakland; Galerie Giti Nourbbakhsch, Berlin; White Columns, New York
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Donald Mitchell
Donald Mitchell (g. 1951 in San Francisco, Kalifornien) begann mit dichten abstrakten und schraffierten Feldern aus schwarzen Linien oder Pinselstrichen, die das Papier verwischten und jede Spur des darunterliegenden Bildes verbargen. Im Laufe der Zeit enthüllte Mitchell langsam die Gesichter und Formen, die in der Dunkelheit vergraben waren. Seine Arbeit wurde dann von mehreren Figuren bevölkert, die autonom oder überlappend waren und deren Beziehungen sowohl abhängig als auch unabhängig wurden. Diese Figuren werden durchweg mit einem großen runden Kopf mit vereinfachten Gesichtszügen auf einem dicken Körper mit zapfenartigen Armen und Beinen dargestellt. Mal sind sie so dicht gestapelt, dass sie Totems ähneln, mal ragt nur ein Gesicht in einem Feld dichter Striche an die Oberfläche. Mitchells jüngste Arbeit behält die Grundlage dieser anonymen Figuren bei, ist aber mit dem Können eines späten Künstlers zur großformatigen Abstraktion zurückgekehrt.
Mitchells Arbeiten wurden in der Collection de l’Art Brut, Lausanne ausgestellt; Gavin Brown´s enterprises, Cavin Morris, Ricco Maresca und Andrew Edlin Gallery, New York; Yerba Buena Center for the Arts und Rena Bransten Gallery, San Francisco; Berkeley Art Museum, Berkeley; Jennifer Lauren Gallery, London; und ist Teil der ständigen Sammlung des Centre Pompidou und des Milwaukee Art Museum.
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Edwin Zalenski
Edwin Zalenski (g. 1959 in Syracuse, New York) arbeitet in einer Vielzahl von Medien, darunter Zeichnung, Holz, Keramik, Hakenteppiche und andere Textilien, um seine Begeisterung für Düsenflugzeuge, Züge und urbane Architektur auszudrücken. Seine Darstellungen von ikonischen Bauwerken der Bay Area wie dem Coit Tower, der Transamerica Pyramid und der Golden Gate Bridge werden zu einer Studie in Form und Muster. Zalenskis geometrische Architektur weicht unregelmäßigen, organischen Linien in aufgeräumten Kompositionen. In Keramik kreiert Zalenski grimassierende Figuren, die bunte Hosen und kein Hemd tragen und die Arme fest um den Körper legen. Sie sind so proportioniert wie zwei gestapelte Tennisbälle, mit kurzen Beinen, runden Köpfen und hervorstehenden Nasen.
Zalenski wurde ausgestellt in 836M gallery; San Francisco, Good Luck Gallery; Oustider Art Fair, New York
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Gail Lewis
Gail Lewis’ (1959 in Oakland, Kalifornien) kreatives Reich kommt am lebendigsten in ihren Textilprojekten zum Ausdruck. Mit Stickereien, Häkeln, Nadelspitzen oder Stricken gibt sie sich dem Garn für stimmungsvolle Inspiration hin. Lewis nutzt auch Collagen, um ihre Liebe zu Feiertagen und Katzen (ihrem Lieblingsthema) auszudrücken, sowie Quellen aus Coupons und Anzeigen für Katzenstreu. Lewis hat auch Interesse daran, Animationsfilme zu erstellen. Im Jahr 2017 veröffentlichte Lewis ein Kochbuch, Sweet Treats, mit Creative Growth, das ihre Originalzeichnungen und eine Sammlung ihrer eigenen Rezepte enthält.
Lewis war bei NIAD in Richmond sowie bei Soft Bytes, Los Angeles zu sehen.
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George Wilson
George Wilson (g. 1946 in Castro Valley, Kalifornien) ist ein Künstler, dessen Augen und Hände bei seiner Arbeit ständig in Bewegung sind, und seine Zeichnungen vermitteln diese vibrierende, frenetische Energie anmutig. Wilson konzentriert sich seit über dreißig Jahren auf figurative Zeichnungen, die einzeln oder in Gruppen präsentiert werden. Seine sich wiederholenden, rekursiven Linien, die in bunten Pastelltönen oder feiner Tinte wiedergegeben werden, führen zu Bildern, die subtraktiv sind und dennoch von Bewegung angeregt werden.
Wilsons Arbeiten wurden auf mehreren internationalen Galerien und Kunstmessen gezeigt, darunter Galerie ART CRU, Berlin, Direct Art Gallery, Düsseldorf, D’Dessin Paris Contemporary Art Fair und Outsider Art Fair in Paris und New York.
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James Davis
James Davis (g. 1949 in Oakland, Kalifornien) zeichnet seit seiner Kindheit und nutzt seine Kunstpraxis als eine Form der Katharsis. Seine gemessenen und kontrollierten Zeichnungen sind makellos detailliert und zeigen oft Safari-Tiere vor Ort, Landschaften und Skylines von Städten. Tiere werden oft als Stellvertreter für Menschen in Davis 'Leben verwendet, wie seine Tochter, und bei genauerer Betrachtung kann man sich die subtile Verwendung menschlichen Ausdrucks vorstellen, die seinen Figuren Charakter verleihen.
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Jane Kassner
Jane Kassner (g. 1955 in Kalifornien, starb 2020) malte sowohl mit kühnen Pinselstrichen als auch mit einer Sensibilität für subtile Farbpaletten und nutzte Galerieanzeigen des Artforum Magazine als Grundlage für ihre abstrakten Kompositionen. Kassner bewegt sich mit langsamer und stetiger Anmut und passt ihre Komposition allmählich an, indem sie Farbschichten miteinander vermischt, während sie kurze Striche oder kreisende Bewegungen setzt. Ihre kraftvollen Spuren erinnern an die abstrakten Expressionisten Helen Frankenthaler oder Joan Mitchell, wirken aber in ihrer Interpretation von Anzeigen für Blue Chip-Galerien sehr konzeptionell. Obwohl es unwahrscheinlich ist, dass Kassner einen Kontext für die Schwere dieser Aneignung hatte, können ihre fertigen Kompositionen als gemeinsame Bemühungen zwischen ihr und der beworbenen Künstlerin interpretiert werden; sich als ihresgleichen zu positionieren und ihren Vorwand zu entmystifizieren. Kassner praktizierte bis zu ihrem Tod im Jahr 2020 im Creative Growth Studio.
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John Martin
John Martin (g. 1963 in Marks, Mississippi) schafft Zeichnungen, Keramiken und Holzarbeiten, die seine Erinnerungen an eine Familienfarm in Mississippi mit seinem modernen Leben in Oakland verbinden. Martin zeigt häufig Bilder von Lastwagen, Schlangen, Taschenmessern, Handys und anderen Gegenständen aus seiner Sammlung von Fundstücken, die sein Oeuvre seit 1987, als er in das Studio von Creative Growth eintrat, prägten. Seine Interpretationen beschreiben sowohl ihre Funktion als auch die Praktikabilität durch seine unverschämten Tier-Mashups, übergroßen Leatherman-Werkzeuge und mysteriösen Texte. Fische werden zu Messern, Alligatoren werden zu Sägen, John selbst wird zum Nokia-Handy, ein Multitool wird aufgespreizt, um einen grinsenden Hai zum Vorschein zu bringen. Sein ironischer Sinn für Humor ist in all seinen Kompositionen zu erkennen und übersetzt utilitaristische Bilder in eine grafische und animierte Ästhetik. Im Jahr 2014 wurde Martin eingeladen, eine ortsspezifische Installation im Rahmen des ersten Artist In Residence-Programms von Facebook auf dem von Frank Gehry entworfenen Campus in Palo Alto zu schaffen.
Martins Arbeiten wurden ausgestellt in der pt.2 Gallery, Oakland; Sage Studio, Austin; Nina Johnson Gallery, Miami; Outsider Art Fair, New York; Guerrero Gallery, San Francisco; ArtYard, Frenchtown; NADA New York; Telegraph Hill Gallery, San Francisco; Carson City San Francisco Art Book Fair, San Francisco; Madmusée Liege, Belgium; St. Supery Estate Vineyard and Winery, Napa Valley; SFO Museum, San Francisco International Airport; Petaluma Arts Center, Petaluma; Gyeonggi Museum of Modern Art, Korea; Museum of Everything, London
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John Mullins
Mit Street-Graffiti-Sensibilität strahlt John Mullins (g. 1969 in Ridgecrest, Kalifornien) eine moderne Ästhetik aus, die an die Arbeit von Jean-Michel Basquiat erinnert. Mutig in einer Palette von Neontönen und gesättigten Primärtönen gefärbt, drehen sich Mullins’ Zeichnungen normalerweise um seine Lieblingsorte, Transportmittel oder Objekte. In Malstift und Acrylfarbe ausgeführt, ist Mullins' Kunstwerk sowohl gestisch als auch grafisch und schafft eine markante stilistische Gegenüberstellung.
Mullins´Arbeiten waren zu sehen an der Nebraska Wesleyan University, Lincoln; NADA FAIR; Outsider Art Fair, New York und Paris, Nina Johnson Gallery, Miami; NADA New York; San Francisco Art Book Fair, San Francisco; Telegraph Hill Gallery, San Francisco; NADA Miami; Cutlog Art Fair, Paris
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Jordan King
Jordan King (g. 1994 in Kalifornien) schafft kaleidoskopische Gemälde, die lebendige Interpretationen der Welt zeigen. Abstrakt in der Form, schreibt King seinen Werken oft sehr spezifische Titel wie „Freaky Woman“ oder „Different Shades“. Er entschlüsselt und huldigt auch abstrakten Meistern wie Miro und Kandinsky im Rahmen seiner Praxis. Seine Kompositionen verlangen eine stetige Erforschung, bei der biomorphe Formen, neue Geometrien und erkennbare Elemente entstehen. Angesichts von Kings Werk laden Dichte und Komplexität seiner Kompositionen zu vertieften Betrachtungsweisen ein.
Seine Arbeiten wurden ausgestellt am Roger Center for Fine Arts, Nebraska Wesleyan University, Lincoln; Outsider Art Fair, New York; 6397, New York
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Latefa Noorzai
Latefa Noorzai (g. 1960 in Kabul, Afghanistan) , eine muttersprachliche Farsi-Sprecherin und Einwandererin in die Vereinigten Staaten, baute trotz Hindernissen der Kommunikation und der kulturellen Navigation schnell ihre Studiopraxis bei Creative Growth auf. Noorzais Hartnäckigkeit zeigt sich in ihren kühnen Porträtgemälden, die von einer Fülle von Quellenmaterial inspiriert sind. Ihre starken und klaren Konturen, die mit Unmittelbarkeit wiedergegeben werden, geben den schweren und selbstbewussten Pinselstrichen eine lockere Struktur, die ihre Figuren mit dynamischem Ausdruck und Präsenz durchdringen. Als Meisterin der Farbe malt Noorzai Figuren, die wie sie selbst hell, quirlig und unbeeindruckt von den Blicken anderer sind. Noorzais Arbeiten sind Teil der permanenten Art Brut Collection von Hannah Rieger und wurden 2019 für den Art Absolument Award der Outsider Art Fair nominiert.
Latefa Noorzai wurde gezeigt in der Nina Johnson Gallery, Miami; Outsider Art Fair, New York und Paris; Art Brut Global; D´Dessin Art Fair. Paris, Good Luck Gallery, Los Angeles; Target, New York; 836M, San Francisco
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Lauren Dare
Die vielschichtigen abstrakten Zeichnungen von Lauren Dare (g. 1977 in Oakland, Kalifornien) werden durch einen charakteristisch aktiven und gestischen Prozess vervollständigt. Dare füllt die Seite bis zum Rand mit hochviskoser Tinte und schichtet dichte, geschwungene Linienansammlungen, die den gesamten Bewegungsumfang ihres Handgelenks und ihres Arms ausüben. Dare beschreibt diese wedelartigen Formen als „Bäume“ und unterbricht sie manchmal mit Kreisgruppen, die in derselben Schwingungshand erzielt werden. Gleichzeitig organisiert und frenetisch, fließt und kracht ihre Linienarbeit wie Wellen und erzeugt eine energetische visuelle Textur. Ob sie in leuchtenden Farben oder monochrom arbeitet, Dare hat ein bestechend raffiniertes Gespür für Tiefe und Komposition.
Lauren Dare war zu sehen im Rahmen der NADA FAIR, Art Paris, NADA New York; NADA Miami sowie mehrfach in der Nina Johnson Gallery, Miami
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Maureen Clay
Maureen Clay (g. 1947 in Kalifornien) malt mit dick gebürstetem Impasto und überlagert die Farben immer wieder, bis die gesamte Komposition mehrmals bedeckt ist. Sie hat ein kompliziertes Gespür für Farbe und Design, und während ihre Arbeit abstrakt erscheint, beschreibt Clay ihre Bilder als verzerrte Versionen von Fischen, Vögeln und Nahrung. Ihre Arbeit birgt Unmengen, die als tiefe Meereslandschaft, sternenklarer Nachthimmel oder als Blick durch ein Mikroskop erscheinen. Auch eine geübte Textilkünstlerin bedeckt Clay, ähnlich wie ihre Malpraxis, die Oberfläche ihrer Kleidung mit Pompons, Pailletten oder dichten Fadenschichten.
Maureen Clay wurde ausgestellt an der Nebraska Wesleyan University, Lincoln; Outsider Art Fair, New York und Paris; 6397, New York; D´Dessin Art Fair, Paris; Target, New York; Esqueleto, Oakland; Estate Vineyard and Winery, Napa; The Clemente, New York; Park Life Gallery, San Francisco, Diego Riviera Gallery, San Francisco; NADA Miami; Rachel Uffner Gallery, New York; Gallery Paule Anglim, San Francisco; Frieze Art Fair, New York
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Paul Fields
Paul Fields (g. 1992 in Hayward, Kalifornien) begann bei Creative Growth im Jugendprogramm und wechselte kurz darauf ins Studio. Fields' weitreichende Praxis hat sich zu ausgeklügelten, erzählerischen Geschichten entwickelt, die er mit originellen Cartoon-Figuren darstellt. Fields illustriert hochdetaillierte Muster von Tieren, Menschen und persönlichen Bildern. Seine Muster werden konzentriert auf das Blatt gebracht und erscheinen als wiederkehrende Motive in weiteren Arbeiten.
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Ricardo Gaitan
Ricardo Gaitan (g. 1981 in Nicaragua) begann seine künstlerische Tätigkeit bei Creative Growth, indem er Zeichnungen von mehreren Reihen dicht gruppierter Häuser anfertigte und in seiner Muttersprache Spanisch erklärte, dass es sich um die Häuser aus seiner Nachbarschaft handelte. Gaitan hat diese Praxis der Wiederholung auf eine Fülle von Objekten und Symbolen ausgedehnt, beeinflusst von Künstlerschaft und Kunstwerken, die ihn im Studio umgeben. Regenbogenfarbene Muster wechseln von gegenständlichen Formen wie Figuren, Häusern oder Blumen zu abstrakten amorphen Formen und füllen das Papier.
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Ron Veasey
Ron Veaseys (g. 1957 in Las Vegas, Nevada) ist seit vier Jahrzehnten künstlerisch tätig und hat sich technisch weiterentwickelt, aber sein grundlegendes Interesse an der menschlichen Form als Vehikel für Farbe und Linie bleibt zentral für seine Praxis. Ob schräger Hals oder blickendes Auge, Veaseys sorgfältig durchdachte Porträts werden methodisch und mit großer Absicht vollendet.
Veasey bewegt sich langsam, leise und stetig durch die Phasen der Bildauswahl, der Umrisse, der Farbauswahl und dann des Malens. Seine Inspiration kommt von Quellenmaterial, Modemagazinen oder Fotobüchern, und er kann Stunden oder Tage brauchen, um die perfekte Muse zu finden. Veasey beginnt eine neue Arbeit mit Bleistift, reduziert sein Thema auf das Wesentliche und lässt oft den Hintergrund zugunsten aufgeladener Farbfelder weg. Veaseys ineinandergreifende abstrakte Formen, die seine Linien mit schwarzem Filzstift zu Papier bringen, bilden eine ganze Form und artikulieren Gesichtsausdrücke. Er bewegt sich nachdenklich und verwendet dann lebendige Acrylfarben, um jede Ebene mit eindimensionaler Farbe zu überfluten (Veaseys Signatur sind gelbe Augen und Zähne). Das Ergebnis ist ein grafisches und zugleich skulpturales Bild, eine Destillation von Farbe und Form, die es dem Betrachter ermöglicht, sich auf die Geste des Blicks zu konzentrieren – der Blick des Porträts wird zum grundlegenden Thema der Arbeit, unbeirrt in seiner Verbindung mit der Beobachter.
Veasey wurde ausgestellt bei David Zwirner; Felix Art Fair Los Angeles; Nebraska Wesleyan University, Lincoln; NADA FAIR; Nina Johnson Gallery, Miami; 836M, San Francisco; NADA Miami; Minnesota Street Project, San Francisco; NADA New York; D´Dessin Contemporary Drawing Fair, Paris; Outsider Art Fair Paris;
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Sher-Ron Freeman
Sher-Ron Freeman ist eine talentierte Multimedia-Künstler und Malerin. Ihre Verwendung von lebendigen Farbtönen und geschichteten Kompositionen ist ein gemeinsames Thema in ihrer Arbeit und sie schaut oft auf Wildtiere, sei es Tiere, Blumen oder Blattwerk, als Inspiration für ihre farbenfrohen Stücke. Ihre Zeichnungen und Gemälde haben eine dynamische Energie, die im abstrakten Expressionismus und in der Aktionsmalerei zu finden ist, obwohl Freeman bei der Ausführung ihrer Arbeiten stetig und sorgfältig ist. Wenn sie originelle Modestücke, Kissen oder Wandbehänge kreiert, verwendet sie eine Tasche mit kleinen Strukturmaterialien wie Pailletten, Papier, Spitze und Perlen.
Freemans Arbeiten waren zu sehen in Jennifer Lauren Gallery, Manchester; 836M, San Francisco; Oaklnad Museum of California at the Oakland Interntional Airport
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William Tyler
William Tylers (g. 1954 in Cincinnati, Ohio) präzisen, geordneten Tuschezeichnungen bestehen aus persönlichen Erzählungen in Form von sich wiederholenden Mustern und dichten Textblöcken. Tylers unheimliche Fähigkeit, sich an Ereignisse und Daten aus seinem Leben und der Welt um ihn herum zu erinnern, wird auf der Seite durch seine langen und poetischen Geschichten deutlich. Er wird oft sein eigenes Selbstporträt in die Arbeit einbeziehen, meistens Seite an Seite mit seinem Zwillingsbruder Richard. Bei genauer Betrachtung von Tylers Oeuvre ist jedes Stück in Inhalt und Detail völlig unterschiedlich. Während seine Palette normalerweise auf Schwarz und Weiß beschränkt ist, schafft die Wiederholung seiner Linien außergewöhnliche visuelle Texturen mit sauber gezeichneten Tupfen, dünnen und sauberen Linien und komplexen Mustern. Ein Großteil von Tylers Arbeit untersucht die Ideen von „richtig“ und „falsch“ mit detaillierten Beispielen. Anschließend bewertet er eine Synthese von Objekten, Aktionen, Nachrichten und persönlichen Erzählungen auf seiner moralischen Skala – „KEINE KALENDER MEHR; SCHWIMMEN VERBOTEN; NICHT MEHR NACKT.’
Tylers Arbeiten wurden ausgestellt im Rahmen der Outsider Art Fair, New York und Paris; Felix Art Fair, Los Angeles; Jennifer Lauren Gallery, London; Nebraska Wesleyan University, Lincoln; Galerie Oblique, Schweiz; Nina Johnson Gallery, Miami; LAND Gallery, Brooklyn, Madmusée Liege, Belgien; 836M, San Francisco; Karma, Armangansett, New York; Fountain Gallery, New York; D´Dessin Paris Contemporary Drawing Fair, Paris; StoreFrontLab, San Francisco; Crosstown Arts, Memphis; Artinbox, Prag; Drawing Now Fair, Paris; Sonoma County Museum, Santa Rosa; Petaluma Arts Center, Petaluma, BOCA Museum of Art, Boca Raton; Frieze Art Fair, New York; Rachel Uffner Gallery, New York; Friedrich Petzel Gallery, New York; RIZOMI art brut, Turin; Berkeley Art Museum, Berkeley; Museum of Everything, London; NADA Miami; Galerie Drylewicz, Paris; Galerie Giti Nourbakhsch, Berlin; Gallery Paule Anglim, san Francisco; Armory Show, New York; Port of Oakland, Oakland; Gensler Architecture, San Francisco;